AUTORES DE ARTE POBRE

Alighiero Boetti: Conocido por sus obras textiles y su enfoque en la geometría y la simetría. De 1963 a 1965, Boetti comenzó a crear obras con materiales entonces inusuales como yeso, masonita, plexiglás, lámparas y otros materiales industriales. Su primera exposición individual fue en 1967, en la galería turinesa de Christian Stein. Más tarde ese mismo año participó en una exposición en la Galleria La Bertesca de la ciudad italiana de Génova, con un grupo de otros artistas italianos que se referían a sus obras como Arte Povera, o arte pobre, un término posteriormente ampliamente propagado por el crítico de arte italiano Germano Celant.

Sus obras de colores brillantes, son piezas bordadas de varios tamaños que representan frases extraídas de la poesía, sabidurías de todo el mundo o refranes inventados por el propio Boetti. Los Arazzi grandi, que contienen mensajes tanto en italiano como en persa, son distintos, registran la fecha en que fueron creados y contienen un elaborado código interno que prescribe el orden de las oraciones en exhibición.Contrastan las letras geométricas europeas y la fluida caligrafía persa en patrones de tablero de ajedrez, bandas alternas, cuadrículas o formas cruciformes.

Las fechas, cuidadosamente anotadas en cada Arazzi grandi, marcan un punto de fascinación para Boetti, ya que estaba profundamente interesado en el concepto del tiempo y su inevitable paso.

Imagen 1:

Imagen de la obra de arte en tela de Alighiero Boetii Ogi diciannovésimo giorno ottavo mese dell¨anno millenove100ottantotto (Hoy decimonoveno día del octavo mes del año mil nueve100ochenta y ocho) (1988) en la Galería Nacional de Arte de Washington, D.C., en 2022. Una obra de arte bordada en cuadrados de colores brillantes, dividida en cientos de cuadrados cuadriculados, cada uno de los cuales contiene una sola letra. Las letras son de diferentes colores con fondos de diferentes colores. Cuatro líneas de texto en persa están bordadas en amarillo y azul en los cuatro bordes de la obra, extendiéndose hacia el centro.

Imagen 2:

Michelangelo Pistoletto: Famoso por su uso de espejos en sus obras, que a menudo incluían la participación del espectador Pistoletto mediante el uso reiterado del espejo propicia un cambio de paradigma, no quiere que contemplemos una obra de arte, quiere que seamos parte de ella, quiere deleitarnos con nuestra propia imagen, y que entendamos que el espejo es reflexión pura ya que refleja, muestra, informa y oculta los límites de nuestro cuerpo, lo que hace que se convierta en la frontera entre la realidad y un mundo imaginario.

Imagen 3:

En “UNO Y UNO IGUAL A TRES”, se recogen los aspectos fundamentales de su creación artística, basada en la reflexión sobre la vida cotidiana y como se interactúa en diferentes ámbitos de la sociedad. Nos da la bienvenida su obra más emblemática Venere degli stracci[Venus de los trapos], asentada en la yuxtaposición de trapos y la forma clásica de la Venus, lo que produce una divergencia dialéctica que dialoga con toda su obra. En esta pieza, la figura clásica vista de espaldas simboliza el ideal de belleza inalterable transmitida a lo largo de los siglos, y contrasta con una multiplicidad de trapos interminables, como alegoría del derroche de una sociedad sumida en el consumo de masas.

Dividida en varias instalaciones y mediante la combinación de materiales, a modo de realidad, se insertan en su obra todas las áreas sociales mediante la creación de diferentes ambientes. A partir de ellos, el artista nos invita a reflexionar desde la simbología religiosa y espiritual que ha imperado durante eones en el arte, empleando diferentes iconos que dialogan entre sí en una especie de Estado laico.

Imagen 4:

Mario Merz: Destacado por sus instalaciones y su uso de la secuencia numérica de Fibonacci en su arte.

Imagen 5:

La obra más famosa de Merz, la que realmente escapa al concepto tradicional de escultura para situarse en el terreno de una ambigüedad manifiesta, es Iglú de Giap (1968). A partir de la primera versión, Merz recurriría, en distintas épocas, a la misma estructura, la del casquete semiesférico, para trabajarla en materiales distintos, destinados a ámbitos diversos. El significado del iglú dentro de la trayectoria artística de Merz fue esencial, pues le permitió expresar de modo sintético su pensamiento plástico. Desde un punto de vista simbólico es una toma de posición política, su deseo de no acceder ni a lo anecdótico ni a lo teatral, el carácter del iglú puede asociarse al de la cúpula, con todo lo que ello representa. Observado como configuración geométrica, posee un carácter marcadamente racional que choca con el primitivismo inherente a la construcción de los nómadas esquimales. Merz no sólo se interesó por estos aspectos constructivos, sino que logró mostrar, a través de los materiales utilizados, que su preocupación también residía en la noción espacial. Con el tema del iglú, Merz permite que el observador comprenda cuán importante es el espacio exterior, en unas ocasiones, y, en otras, cuán significativo resulta el espacio interior. Aunque Mario Merz emplease materiales nuevos, como los tubos de neón, las baterías acumuladores, no dejó de utilizar otros materiales que ya tenían una tradición en el arte del siglo xx, como los que aparecen en el citado Iglú de Giap (los saquitos de arena y el armazón metálico sobre los que los situó).

Giuseppe Penone: Reconocido por sus esculturas que exploran la relación entre el ser humano y la naturaleza. Las esculturas, instalaciones y dibujos de Penone se distinguen por su énfasis en el proceso y su uso de materiales naturales, como arcilla, piedra, metal y madera. Su obra se esfuerza por asimilar la palabra natural con su práctica artística, unificando arte y naturaleza. Más concretamente, el árbol, un organismo vivo que se asemeja mucho a una figura humana, es un elemento recurrente en la obra de Penone. Penone creó su primera escultura de Albero en 1969, una serie que continúa hasta el presente. Desde entonces, su práctica ha continuado explorando e investigando el mundo natural y la relación poética entre el hombre y la naturaleza, el proceso artístico y el proceso natural.

Imagen 6: